Riddle of Meander Orcus

Riddle of Meander play what we could easily describe as “standard black metal”, in that it adheres to the usage and application of technique and composition style that characterizes the genre; such strict adherence, however, does not in any way impede them from presenting ideas of their own as someone who is expressing himself in any human spoken or written language does not need to reinvent the wheel of the language or the way ideas are expressed in order to deliver a valuable insight. The music here remains mostly at around a guarded slow-to-slightly-fast pacing, while introducing blast beats for intensifying effect without letting them be an afterthought; this is perhaps one of the greatest accomplishments of this album: that despite the non-innovative approach it is able to subsume a variety of vocabulary to its own purposes without them ever feeling out of place or as a collection of tropes, as one spirit is expressed through them.

Orcus is the second full-length album by Riddle of Meander coming out two years after their debut, End of All Life and Creation, and greatly improving upon it in terms of dynamism (in the sense of organic mobility between more distinct modes of expression) without losing in the strengths of the first; we find here that the composer of the music is more sure of his decisions, and while we saw a prudent shyness about the adventurousness and twists in the music in the first album, Orcus embraces what were occasional jumps and reserved hints and now makes use of them unabashedly to move the music forwards with increased potency, allowing the music to thrust not only forward but farther into different territories.

The music in this mature release shows a band that is in dominion and has a certain focus, thereby carrying the music beyond, or raising it above itself; and while this statement might be misconstrued by applying a dualistic interpretation of a separation between form(aesthetic) and meaning(essence), what is actually meant here is that one can perceive and trace a goal in the music, perhaps expressed through the progression of moods and changes, however small they are, that makes the music not about its presentation or about a conceptual idea to which the music is soundtrack, but as the music as the enacting of the action itself. In effect, this is music as it should be, encapsulated and holistic, well-rounded and concise despite expressiveness.

In light of these highly positive traits, there is something to be said for the lyrical content, at least in what one may glimpse from the titles of the songs; for now it may suffice to say that one may find here more than your average satanic expression, divested from the usual mother worship or simpleton craving for destruction that one may see more commonly paraded elsewhere; instead, there is an interesting combination of references to witchcraft in its very earthy and private sense —the only way it can be remotely in touch with reality— and a black alchemy, the ars regia of self-realization and self-overcoming, thus hinting at a more Traditional approach to living that address the need to counter the tide of the current era.

Abyssum Todo en Tinieblas

Todo en Tinieblas es el demo de 2015 de Abyssum que nos trae el refinamiento final de una obra cuyas ideas y partes fundamentales habían sido ya construidas para mediados de los años noventa; le vemos entre las piezas en vivo publicadas en el año 2008 bajo el título The Prophecy Is My Name, I’ll Be Here Eternally, en donde la pieza que figura este demo lleva el nombre ‘I am He’; de la transformación de “Yo soy Él” a “Todo en Tinieblas”, mucho se puede meditar y estudiar. La nueva versión de esta pieza se ve envuelta por arreglos de sintetizadores que le suman mucho y le traen más cerca de la cobijante aura cósmica que caracteriza a Abyssum.

No solamente tiene una introducción de tres minutos en una pista separada, lo cual nos permite prepararnos mejor, pero también un outro de otros tres minutos que crece y extiende la nota y sensación en la que queda la música una vez callan guitarras y batería. La estructura del cuerpo principal de la pieza ha cambiado asimismo, con variaciones hechas a partes que anteriormente eran idénticas entre ellas, además de elaboraciones en los teclados antes inexistentes, y una considerable introducción de conexiones y sutilezas en la percusión donde antes figuraban más que todo patrones uniformes rudimentarios del underground metal en contexto black metal.

La nueva producción es bienvenida, así como la claridad de los instrumentos, pues Abyssum mantiene en mente la necesidad de que se preserve un aura de obscuridad y agresión que un sonido demasiado sintético suavizaría, restándole de manera irreparable al todo; confiamos en que ésta sea una muestra de algo todavía mejor para un próximo álbum completo de Abyssum para el cual algunos habrán esperado casi una década.

Lo cual nos trae a la mención de ciertos puntos importantes respecto a la forma en que Abyssum opera, con la visión sobre la Eternidad, con una visión como Arte de Inmortalidad; este es un arte viviente, las piezas nunca se petrifican, y cada uno de las grabaciones es una de sus develamientos o manifestaciones a lo largo de una evolución perpetua. Si bien se han hecho álbumes como Thy CallPoizon of god, las piezas dentro de ellas han seguido tomando formas varias y únicas a lo largo de los años, siendo su maestro un experimentador de las fuerzas ocultas que dentro de ellas se mueven y las animan.

Abyssum nos da un ejemplo de música creada por un ser para él mismo, de primera mano, pero también con una visión de ella como algo que puede seguir mejorando de manera que se afine y aplique de manera más detallada y natural al cosmos mismo, o a nuestra percepción de éste, como intermediarios que somos entre lo natural y lo que conscientemente creamos con propósitos humanos. Todo lo que pudo haber sido la música clásica en su expresión más trascendental, y lo que pudo haber sido el black metal en un refinamiento holístico más enfocado, es adonde apunta la trayectoria del magistral Abyssum; si bien una sola vida puede alcanzar la inmortalidad para sí misma, el trabajo de Arte Inmortal está en manos de quienes lo puedan tomar y seguir a través de una cadena de vidas que la puedan llevar más allá a medida se descubren y desarrollan a ellas mismas.

Gorgoroth Live in Hilversum ’96

gorgorothlivehilversum96The present is a live presentation by Gorgoroth poorly recorded in 1996 in Hilversum. The six songs contained here are selected from Pentagram and Antichrist, arguably the two best releases by this band, whom soon after lost their touch for obscurity and moved on to raw crudeness without sensitivity and then towards completely sterile technical performance. This is a snapshot of a golden era, of the music even if not the people, in which black metal was magickal, engulfing and sincere in a bare-bones manner.

Many will find the quality of the recording so poor that they will wish to pass on it; many would argue if there is any good reason to listen to such an unclear and distorted recording if one can simply listen to the first two albums, whose production is already raw enough but with a nice, clear sound to go with it. One could simply answer saying that they are two different experiences to appreciate different aspects or to contemplate them from different vantage points.

The decay and death in the sound is so pervasive and overbearing that the recordings are indeed blurred, indeed going beyond conceptions of delightful nekro sound. A good reason, however, to listen to a recording such as this is that it forces the listener to actually listen with all his intent and attention; it is as if the listener had to earn the privilege of the the music. Furthermore, the conditions make it so that the live recording must be listened to in a quiet environment, and it needs concentrated attention.

What ends up happening is that only the overarching gestures, broadest textural changes and structural progressions are reflected in this recording, while the details are certainly obfuscated to a degree that they are rendered out of the question for study. He who would properly peruse and thus appreciate this record it to a full and ecstatic experience need tune in to the motions of the music as if to the rhythms of an ocean’s tide under the ravenous moon.

Katharsis The Red Eye of Wrath

treowThe humble beginnings of what would later become an unhinged source of a pure torrent of black metal energy are see in The Red Eye of Wrath in their simplest form. Katharsis begins their story by constructing powerful songs that ride on simple power-chord phrases with mannerisms inspired in the style of Possessed, while stripping it down to essentials and propelling it to fully-formed black metal. In doing so, Katharsis adopts here an extreme taste for shocking passages without making the contrast of sections the main attraction, for they still remain related through perceivable, though perhaps murky, motif patterns. This style also relies on the dynamism of the drums to provide a great part of the content, allowing for the simple melodic riffs to stay for a longer time without need for modifications.

While possessing the endearing aura of the most primal and stripped down records of black metal, the initial expression of the budding Katharsis leans towards the doom-like ambient effect that black metal can sometimes rely on to carry a sense of cadence. These are alternated by frenetic charges of also extremely minimal and more often than not dissonant horizontal sequences. The use of pauses greatly enhances articulation power, allowing for the energy of riff to be either funneled, retained or simply make transitions more smooth. As whole, however, the realization of songs remains rather incomplete, given the scant nature of individual sections in terms of their melodic communication structures, so to call them.

The shortcomings of this first release are made up for in the debut album, while hidden potential continues to grow from this same model over several albums until a maximum expression is arrived at before rock conventionalisms start to take over more often than a raw black metal should allow to retain its otherworldly nature. The Red Eye of Wrath, while full of energy and working towards an honest and effective satanic eloquence, still appears under the strong influence of older bands, and not yet how to balance compositions as to fully utilize the power of expression latent in the style. In between the lines, however, we can grasp the veiled personality of Katharsis, that is never fully revealed even in later times, as befits an esoteric communication. That is to say, Katharsis’ face here, as always, remains somewhat elusive through its own technique.

If one is to recommend the highlights of this first album, the experienced listener should not fail to appreciate and enjoy the impulse towards expressive purity in the riff construction which strives at once for both a stripped-down, bare-bones nature and a destructive power in harmonic contrast of a sort. In this department, one should always include praise to the drums which do not fail to play more than a small part, thus beginning to build on a music that will later afford as almost as much importance to the drums s to the guitars. Where many other satanic black metal bands fail at the musical level to construct a proper and respectable music that alludes to and moves one to feelings of destruction and dissolution through works of sinister terror, Katharsis’ beginning in The Red Eye of Wrath builds the bases of the unique, and surely immortal, monument that their unfolding work has become despite its being relatively unknown as a work of 21st century underground musicians.

S.V.E.S.T. Scarification of Soul

scarificationofsoulS.V.E.S.T.1 is one of the very, very few bands around that one should feel sure of calling Satanic. This is not to say that the writer is aware of the degree of sincerity of a devotion to religion, ideology or spirituality of the band members in their life beyond the artistic, but that the music appears redolent of a conceited and well-planned journey into darkness. A path that would perhaps lead many to madness or at the least illusion but which remains highly logical to the mind and body ready and able for it. The music and their expression is stripped down yet highly expressive, allowing for an established black metal aesthetic to serve as vocabulary for eloquent tongues to express their own experience in pondering, imagining, or living —who knows?— a more vivid, rawer and perhaps truer existence, closer to what really is without abstractions.

There appears to be an inspiration that could base this music in a space somewhere between the raw mentality of Hellhammer and early Bathory, while learning from the experience of more complicated elaborations that were made possible later during the early nineties. There is more use of the high-pitch melody and the second-grade Norwegian power-chord phrasing, concentrating everything in a kind of monophonic texture. Despite that, and no matter what other comparisons we may draw, S.V.E.S.T. appears fairly independent of any particular influence apart from its allegiance to black metal. It extends number of repetitions with changing chord backgrounds, guitar expressions or drum patterns, thus creating a heightening sensation within a single riff; it advances either to a highly-related section, or introducing a new concept as a new episode, which when inspected up close usually reveals itself as related in one way or another by motif.

While the band does not have a strongly defined melodic personality that jumps out as differentiated, it does show a strong character and sobriety through destruction through the organized and controlled way in which this maelstrom is wielded. Rather than madness itself, this is the lonely superhuman treading through inhospitable territory, living nightmares in the flesh, commuting with demons, challenging god and taking for himself what seems fit. S.V.E.S.T. brings in Scarification of Soul an example of metaphysically pure black metal that may sometimes slip into different rock-isms nonetheless subsumed under black metal expression, but which ultimately unifies the whole under strong sound themes. As such, this is not only a viable future and exemplary standard-bearer of the musical genre, but also as the black art it constitutes in the occult sphere beyond the merely sensual or technical.


1 Satanas Vobiscum et Spiritum Tuo.

Kaeck Stormkult

stormkult


§ Kaeck


Kaeck is technically a side-project by members of different active projects, but since conventional mainstream metal band evaluations do not apply to a true underground (where each project is carried out for a reason and with a very clear purpose), the result of the present album is outstanding and well-defined. Kaeck is not Kjeld, Noordelingen or Sammath, nor does it sound like an admixture of these, although the relationship is there to see. When it comes to the quality of the content and form of the music themselves, we can consider Kaeck a musical project in its own right.

Stormkult is evidently a product of this particular Netherlands circle, consisting of a very aggressive but controlled guitar attack with a dominating lyricism in the melody that is the center of all the music. All of the instruments cluster around it and give it strength. Part of this trademark sound also revolves around a feeling and slightly eerie feeling that will indulge in some sentimentality at times. In this sense, Kaeck displays a genre purity in conception and realization that places it in a direct line of inheritance under Bathory through the more violent and occult elements of the Germanics (not ‘Germans’, the reader should mind this detail).

Since the prevailing melodic influence here is Sammath, which is the harshest of the three contributions, Kaeck consistently drives into a destructive sound that, while percussive in nature, remains highly atmospheric. The presence of a synth melody that arises from the guitar line adds to the music a simple layer that is nevertheless extremely effective in driving the nail deeper in its crucifixion of the listener’s soul. The writer would venture to say that the reason for this is that the synth itself is not an extra addition, it acts and speaks out when it needs to, and so the rest of the music is balanced in the same way. Furthermore, nothing seems to be missing, the music is self-contained conceptually and musically.


§ Listen to music records as you would read a book


A problem many people seem to have when listening to black metal is that they expect music to do one of two things. Either they judge it by its lyrics and imagery and then convince themselves that the music is related to it, telling themselves that the music in fact is delivering what they want. Or they listen to music as if it were a brute’s drug, a mere tool for sensual stimulation. These are both extremely pop-world ways of looking at music, and it places black metal under the umbrella of popular culture. While much wayward and worthless black metal is, in fact, a product of and for popular culture, and while several classics of the genre have been superficially taken in by the popular world, the core and spirit that breathed through the black metal ideally is elitist and underground par excellence.

This elitism does not reside in words or mere attitudes but in actions and results. But these very concrete characteristics cannot be gauged correctly by an audience bent on reducing the art to mere entertainment. Sadly, even people who are very knowledgeable when it comes to literature and even philosophy treat music as if its function lies entirely in a sphere that can only be captured sensually and therefore is under a purely ‘subjective’ law. Music does encompass this sphere, but it expands even more regions, some of which can be affected by training as well as perception and deductive skills that can be honed. It is only through this respectful and more knowledgeable way of approaching music that we can start to interpret it as it deserves.

When it comes to a musical project that displays no indulgence in musicianship for its own sake or the use of whatever fad of “catharsis-inducing” techniques, that does not speak to those looking for an image or posturing that speaks to their ego, it is to be expected that it fly over the heads of most. Such is the case with Stormkult, an album that perhaps needs no repetition, as it concentrates on a very precise area in what it says through the music, but this is articulated with grace and in meaningful variations, thereby actually taking us through different avenues in a consistent world. The power that the listener can tune into here lies in the narrative itself. By latching on to this lyrical stream of sound one is taken through an underground tunnel to visit lonely and terrifying places haunted by shadows and latent with untapped energy.

The way to go about actually listening to music records and tuning into their wealth, rather than floating on the surface of their appearance, is to approach the experience of listening as a serious reader would approach a book. Of course, we do not read music in the same way that we do books. But just as the reading of a book necessitates previous knowledge of a context and posterior meditation and consideration of not only its content at face value, but the relationship of its parts and symbols, so does music of a higher kind need a many-sided and holistic approach. We are not talking about reducing music to a crude literary analysis, for that is not the way to go about feeling and understanding a book, but to understand that music as an actual repository of information and perspectives not limited to the verbal is a complex web. In doing so we also receive the power to distinguish between what has depth and what is mostly just an appearance.


§ Dissolution of the parts


 It has been mentioned that in the music of Kaeck the instrument’s lines collapse into a central, guiding line that moves melodically with a very lyrical voice. Everything in Stormkult clusters around a clearly visible and very much alive entity, not as appendages that merely give body to a spine, but rather as components that make up the exoskeleton of the thing in itself. In this we should appreciate an upholding of the original black metal method that was instituted, discovered and exemplified by Bathory in The Return…

The only part that diverges from this central current are the vocals, the performance of which is varied and extremely expressive despite remaining within one personality. Being able to say so much without diverging into several different characters is the ability of an accomplished artist that knows his craft and provides subject matter in discernible forms. The vocals ride the wave of the main melody and then twist to form their own independent contribution to the body. A balance between efficient (minimalist but fulfilling) and eloquent expression is found that can also be seen in the rest of the instruments if one knows how to appreciate the craft of holistic music. A hierarchy is respected, and most of the time the role of the instrument achieves meaning by beautifully fulfilling its own role therein.

In contrast, we may find music of a lower quality that floods with sounds of all kinds throughout the spectrum, extending pieces throughout long expanses by appending meaningless or redundant variations. Many are the black metal projects that work in an inverted way, from appearance and pretense to trying to bring a concrete image to life. The result of this almost always a cardboard-thin, but colorful and dashing to the sight, puppet that can entertain at first but is soon after revealed as lacking depth and actual content to those who look for actual treasures of mind and spirit in the music. The music of Kaeck, on the other hand, flows distinctively in the opposite direction: from a clear concept, a feeling that gives a direction, which then gets multiplied, developed and stamped onto specific instantiations that together form a logical series of consequences in a coherent train of thought.

Cultes des Ghoules Angel of Poison and Death

angel of poison and deathA child of the twenty-first century, the satanic black metal of Cultes des Ghoules sounds, at a distance, like your average lo-fi, aggressive kind of underground black metal. What makes them stand out, for those who have the ears to distinguish such things, is that they are speaking the language, not merely repeating the sounds and emulating the phrase-riff expressions of older bands. This is visibly noticeable once one pays attention to the music directly, as black metal of any worth should always be listened to.

Angel of Poison and Death is a perfect black metal offering, being both atmospheric and corrosive without being defined by either of those adjectives. It sublimates aspects that other post-turn-of-the-century bands take as defining, or even as goals in themselves, and uses them to construct dense crypts of a labyrinthian kind by providing a concordant abundance of scenes that vary as to the way in which tempo and texture are used. By remaining willingly stiff and formal, yet blind to the very real flow of ideas and the clear maintenance of phases within a mood, it would be easy to simply discard the music as choppy, which would truly be tantamount to missing the forest for the trees.

Unlike other masterful black metal releases which excel at creating long soundscapes that shorten time, Cultes des Ghoules extorts pain out of every moment, slowing down time, if not at least bringing one’s conscience an intense awareness of the passing sensations. The composition style followed here works in an unconventional mode that places the needs of the organic growth of the piece first, maintaining propriety by having found a language that permits them variety of expression, even to the point of being able to contrast, because of the unity of this personal voice and a highly developed ability to slide smoothly from one statement to the next.

This is black metal strong in channeling, in communication, though not precisely the most marketable. It contains little for those looking for a simple quick fix except a temporal confusion, which is perhaps what some are looking for… Nonetheless, the greatest treasure lies hidden in that twilight area reminiscent of semi-lucid dreams, lying at the intersection between the uncontrollably emotional, yet receptive to the appreciation of reason. Whatever the actual case — whatever artists’ own awareness and perception of it — Angel of Poison and Death would fit in the description of music guided through a kind of mediumship, so to speak, whose structure is rationally coherent and rich in content by virtue of the concreteness or reality of the experience it transmits, but the source of which cannot be simply, or otherwise, be put into words.

Oubliette Nadezda

nadezda-coverUpon listening to Nadezda, the prevailing sentiment that one can perceive echoing, pulsating through its long, melodic riffs, is a kind of crucifying sorrow. The arrangement of the three songs present here progress in a very clear way from a thoughtful, perhaps even regretful melancholy, through the kind of deep sadness that is inherent in clinical depression which pins one down mentally and physically, to the crossing of a dark threshold whence there is little hope of return. The last track sees the artist stepping through while trembling, which after a brief pause becomes a decided embrace of darkness.

The present is a singularly psychological black metal, not in the academic sense, which would summon impressions of sterility divorced from actual, living emotions and the immense depth in which they are pictured in Nadezda. Oubliette, even more so than Norns in In Fog They Appear, emphatically stress delicate touch in both musicianship and performance, as well as in the energy-flow maintained in the swinging quasi balance of correctly proportioned sections whose interplay builds shadows of castles on the unlikely crags of receptive, and often broken, souls.

By referring to the inwards nature of this music, so to call it, one should bear in mind the lack of specific dependencies on any physical place. In different ways, Oubliette here creates highly impersonal music that is at once incredibly universal yet belonging to no one. It escapes the human power to relate to it, because one is always an outsider to it, yet it draws one closer as if to completely devour. It is as if what was being summoned here was the undead entity itself; which creature we relate to the horror we see behind the dark mirror.

The horror of which is spoken is not to be expected in sensationalist grimaces, which are rather the province of buffoon characters that draw the attention of millions of untermensch through their charlatanery, but the kind that requires willful acceptance, an invitation to intrusion by a bitter-sweet pollution.

Norns In Fog They Appear

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Norns brought with In Fog They Appear a very simple kind of black metal that should not be dismissed simply as the kind of flowing black metal that overtook the Eastern European regions, but rather an interpretation of black metal that emphasizes a kind of cold romanticism, solitude in inhospitable surroundings, and within that, a treading on under the burden of sorrow and melancholy.

This might seem like the description of your average Burzum-esque clone with Darkthrone-ish inclinations, however, it is not, despite the clear influence. Said influence never takes over the core personality of the sound, which remains, even if not particularly standing out or unique, at least a work built on original ideas. Not original in the musical style sense of the expression, but in that the expression results in something of a clear and precise elaboration, instead of the all-too-common genre or style emulation which most would fall into.

The composition is a duo of distorted guitars playing melodies in tremolo-picking mode, most often in homophonic textures with occasional decorations, percussion duties mostly handled in a middle-speed pacing, and a functionally appropriate bass  distinguishable behind them. Harmony remains light, moving between clear consonancy and the edge of dissonance, with which it only briefly and strategically flirts for effect and necessary content stress. Fluency and smoothness is perfected and improved as we progress through this release, and what is at first promised is promptly delivered in plenty.

In Fog They Appear is comprised of three tracks, with the last, the title track, being the main attraction and holding the most weight in terms of content. While the first two seem like experiments in the budding Nornian style, the more than eighteen minutes of the last track extend long melodies that never lose strength, interlacing sections which moderate and compensate each other, preserving the natural energy inherent in each of them. In this way, Norns stretches out one of the best ultra-long running black metal songs this author has had the pleasure of listening: by beautifully and artfully maintaining the delicate, pristine tension of their almost ephemeral black metal.

Selecciones de Fin de Año MMXVI

"Volvimos con afán a nuestras lecturas, y repasamos, una vez más, las historias y leyendas de La Antigua, que tan vagamente arrullaron nuestra infancia. Amábamos intensamente aquella ciudad como a una madre misteriosa que nos alimentara de fábulas y de fantasías; imaginándonos que ella transmitió a nuestras almas ese cálido anhelo de lo ignoto y esa irresistible pasión por el pasado que nos embriagaban de ilusión y de dolor. Por ella, sin duda, por haber nacido en su seno fecundo en quimeras, éramos tan vibrantes, tan sensitivos y tan torturados por el implacable torcedor del pensamiento. Por ella nos amábamos con un amor tan intenso y tan dulce, sobre el que sentíamos pasar un soplo trágico, aún en nuestras horas más puras y deliciosas. La amábamos quizá con más dolor que placer, comprendiendo que todo lo que en nosotros se agitaba de extraordinario y de triste, lo debíamos— fuera de nuestro singular organismo, en que se marcara, tal vez, algún maléfico sello ancestral— a su ambiente propicio a las abstractas soñaciones, a su antaño que nos saturó de su fúnebre poesía y a la melancólica belleza de su paisaje, que semeja una florida necrópolis, digna de acoger para siempre en su recinto a las mujeres más espirituales y a los soñadores más ilustres." --Froylán Turcios

“Volvimos con afán a nuestras lecturas, y repasamos, una vez más, las historias y leyendas de La Antigua, que tan vagamente arrullaron nuestra infancia. Amábamos intensamente aquella ciudad como a una madre misteriosa que nos alimentara de fábulas y de fantasías; imaginándonos que ella transmitió a nuestras almas ese cálido anhelo de lo ignoto y esa irresistible pasión por el pasado que nos embriagaban de ilusión y de dolor. Por ella, sin duda, por haber nacido en su seno fecundo en quimeras, éramos tan vibrantes, tan sensitivos y tan torturados por el implacable torcedor del pensamiento. Por ella nos amábamos con un amor tan intenso y tan dulce, sobre el que sentíamos pasar un soplo trágico, aún en nuestras horas más puras y deliciosas. La amábamos quizá con más dolor que placer, comprendiendo que todo lo que en nosotros se agitaba de extraordinario y de triste, lo debíamos— fuera de nuestro singular organismo, en que se marcara, tal vez, algún maléfico sello ancestral— a su ambiente propicio a las abstractas soñaciones, a su antaño que nos saturó de su fúnebre poesía y a la melancólica belleza de su paisaje, que semeja una florida necrópolis, digna de acoger para siempre en su recinto a las mujeres más espirituales y a los soñadores más ilustres.”
–Froylán Turcios


§ Algunas palabras


Se ha decidido aquí seguir el espíritu que se adjudica esta empresa de arte y su curación: sub specie aeternitatis. No pondremos aquí ningún trabajo que no creamos digno de ser recordado para la posteridad como un trabajo total, no solamente satisfactorio sino como una obra sin reproches, total, holística, coherente y contenida dentro de sí misma.

En esto sigo mi propio sentido, el cual es falible, además de que estoy seguro de no poder estar al tanto de todas las publicaciones del mundo. Hay tanto ruido y estorbo que es muy difícil tener el tiempo para encontrar lo que realmente vale. De cierta manera, los álbumes que resaltaré son meramente el reflejo de mi gusto y criterio en este momento. Le dejo la labor más dura y objetiva de seleccionar el “mejor metal del año” en distintos grados a individuos que tradicionalmente lo hacen muy bien. Me tomo la libertad también de incluir algunos álbumes que no se publicaron en este mismo año pero que descubrí o redescubrí en los últimos meses, tomando inspiración del método de otros.

Dicho esto, cabe mencionar que aunque la música usualmente muestra su valía real después de muchos años, es posible, con algo de experiencia, juicio e intuición, discernir a que le falta una chispa de talento o inspiración original a nivel musical de primeras a primeras, y a lo que podemos dejar en un tal vez. Contra esto habrá mucha vociferación impertinente e ignorante “igualitaria”, pero eso tiene poca importancia.

Para cerrar, es pertinente aclarar que si bien aquí nos concentramos sobre música metal de un tipo y orientación bastante específico, este no es un sitio acerca de metal per se, pero si sobre metal y otras clases de formatos como canales y medios hacia ciertos sitios y estados mentales. Queda como tarea de cada lector y oyente descubrir cual es la dirección y espíritu mencionados.


§ Fantasmas del pasado


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Abyssum — Obscure Ages

 Esta es una serie de demos grabados en un ambiente crudo los cuales fueron luego editados, agregándoseles capas de sintetizadores y efectos. Las grabaciones originales se hicieron entre los años de 1996 y 1998. Su compositor las guardó todos estos años hasta que llegó el momento, hace unos meses, en el cual le pareció propicio sacarlos a la luz.  Se imprimieron copias limitadas y se han distribuido localmente adentro de Guatemala nada más, aunque habemos algunos que tenemos los dedos cruzados por tener la oportunidad de tener una copia en nuestras manos.

El autor tiene la fortuna de estar, todavía, en las buenas gracias del artista detrás de este proyecto tan enigmático como obscuramente cautivador. Dicha situación ha hecho posible que se pueda escribir aquí un comentario corto después de haber experimentado la que es posiblemente la obra más obscura de Abyssum hasta la fecha. Cada una de las grabaciones de Abyssum son evoluciones de temas cuyos esqueletos e ideas principales fueron compuestas a mediados de los años noventa. Sin embargo, en las Edades Obscuras hay mucho material que no se escucha ni en grabaciones anteriores ni posteriores.

En general, hay algo tenebrosamente fino acerca de la música de Abyssum, pero entre la locura minimalista de los arreglos y los efectos muy bien planeados se suscita aquí una atmósfera incomparablemente terrorífica que ha hecho correr escalofríos por mi espina cuando capturo sus momentos y detalles con atención y en el estado mental correcto. Mientras que en Thy Call lo que encontramos es un adentramiento en la imagen astral de los bosques y montañas, y en Poizon of god algo como una emanación e influjo de los ritmos celestiales a través del vacío infinito, en las Edades Obscuras la palabra que más se asoma en mi mente es específicamente BRUJERÍA. Suave, sutil, aterradora, desgarradora, fatal y sensual brujería. La brujería como el poder humano en comunión con el subsuelo, el agua, la sangre y la luna.


Graveland — Carpathian Wolves – Rehearsal 1993

 Podría parecer excesivo el traer un demo de Graveland a colación en el año 2016 si las publicaciones oficiales de la banda en aquellos años, incluyendo el Carpathian Wolves original de 1994, ya eran poseedoras de ese famoso necro-sonido en las dosis perfectas, que permitía que se escucharan los instrumentos claramente mientras atacaba al oyente como lobo que escupe un aullido en su cara. Sin embargo, habemos quienes encontramos el valor en demos y ensayos siempre y cuando el contenido musical se encuentre allí, los cuales dejan ver cierto grado des espontaneidad y creatividad momentánea que generalmente se neutraliza durante la grabación oficial para obtener un producto más formal y firme. Siendo así, es posible que lo que encontremos aquí no sea para todos; quizás demasiado acuoso o lodoso, lo cual es mucho decir considerando el suculento sonido del álbum oficial.

No hay vocales ni sintetizadores en las seis de las grabaciones del ensayo principal, permitiéndonos así apreciar la música en detalle. Se muestra, en mi opinión, notablemente más flexible y viva que la meditación constante y repetitiva que notamos en el Thousand Swords que le sigue a este álbum. Son, definitivamente, experimentos muy distintos que muestran a un Robert Fudali de mente exploradora e inquisitiva respecto a las dimensiones y límites de su sonido único. El ramaje frondoso de su estilo ha sido plagiado sin obtener los mismos resultados, por estar este tan fuertemente arraigado en la personalidad del artista que sirve como suelo invisible mas rico en nutrientes.

Carece quizás, este ensayo, del tono más militante que vemos nacer en el álbum oficial, mas por los espacios naturales creados en un ambiente vivo y situación menos controlada o editada, sentimos el culebreo de la energía cruzar la obscuridad y el rayo que parte de la tierra que pisamos surgir en torcida columna atravesando nuestro cuerpo hasta tocar cielos y nubes sobre nuestra cabeza. La sensación que podemos capturar es acaso menos compacta, pero por ende más liberada, más expansiva y no menos clara. Las curvas se describen más claramente, el respirar del músico es palpable y el contraste entre los parajes visitados más pronunciado sin causar un choque que le reste a la naturalidad enfática del desempeño.


§ Redescubrimiento y coronación


Burzum — Filosofem

 Aquellos quienes aman la música de Burzum siempre están en constante debate en cuanto a cual sería el álbum definitivo del proyecto. La inquisitiva nunca ha tenido, ni por cerca, una respuesta definitiva. Entre más cercano se es a la música de Burzum, el individuo mismo tendrá épocas en las que se acerca más a una de sus obras y otras en las que pareciese migrar hacia el sentimiento de alguna posterior o anterior. Al ser comparado la presente obra con las anteriores se puede vislumbrar un sentimiento de opacamiento, maduración y finalidad.

En aquella época éste fue el último álbum de metal que se publicó bajo el nombre del proyecto; la mano escribiente estando tras las rejas por crímenes cometidos y no cometidos haciéndolas de chivo expiatorio, tornó su atención entonces hacia la música sencilla de sintetizadores. Se ven en Filosofem, antes de ese cambio, una colección de influencias que ya han sido refinadas y destiladas al punto que su forma manifestada es innegablemente Burzum, tanto en su formato black metal “atmosférico” como se le conoció después, como en las pistas de guitarra eléctrica ambient tanto como en su extraña y muy repetitiva pista a lo dungeon synth cuyas sutilezas pocos saben apreciar y mucho menos utilizar.

Es un hecho casi indiscutido que Burzum representa una influencia inmensa para todo el género, pero pocos entienden la relevancia musical y ultra musical que emana mucha de su música. Muchos son los que se ven confundidos por la aparente simplicidad de la música de Burzum, pues su complejidad no se encuentra en el exterior, en la rapidez de dedos o en el amontonamiento de arpegios, sino en la evolución perceptiva y natural de pistas y obra entera. Sus álbumes son monumentos vivos a la creación orgánica y unitaria del universo, especialmente en su expresión de vida terrestre.

Filosofem, cuarto álbum de una serie de clásicos irrefutables del género, fue grabado cuando su autor, Varg Vikernes, acababa de cumplir los 20 años de edad. Arrogante individuo, sin lugar a dudas y con mucha razón, mas de inmensa valía.

burzum filosofem lp inside


§ Susurros de la Serpiente


S.V.E.S.T. — Veritas Diaboli Manet in Aeternum

Fácil es confundir este monstruo de obra con la bazofia que compartió un espacio con ella cuando se le lanzó en un split con los charlatanes de Deathspell Omega. Mas cuando se le inspecciona en detalle, tanto de manera técnica en cuanto a su composición así como en la percepción intuitiva de su flujo y proporciones, descubrimos en la mitad de S.V.E.S.T. una articulación musical coherente, aunque algo alocada, en una sucesión de momentos atados de manera suelta pero temática, con varios riffs aparentemente creciendo a partir de raíces motíficas similares. La curva narrativa se mira afectada por distorsión compositiva y la necesidad de expresar lo diabólico que ha de ser, por necesidad interna, confuso y arrebatador.

Podríamos delinear similitudes de aura e intensidad entre esta obra de S.V.E.S.T. y el Channeling the Quintessence of Satan de Abigor la cual, al menos en mi mente, intenta traer a nuestra esfera la misma clase y calidad de energías. Pero donde los franceses pisan cuidadosamente cada frase de invocación, los austriacos parecieran tomar la ruta de un caos más literal, como en un ritual de frenesí. En aquel punto no había Abigor abandonado todavía toda metodología respetable de música y logró así crear una metáfora de ese desorden y energía desenfrenada en una creación plasmada en detalles rococós. S.V.E.S.T. se muestra más sabedor de su arte y encaja metáfora, propiedad musical y trascendencia holística en una obra de black metal que se aproxima a la metodología del rock progresivo original de la década de los setenta.


El peligro uiene en ſuaves ſilbidos,
cortos e non tan prolongados, quebrando
la ſerenidad del qve lleua, ſu ignorancia
con paciencia, qve a la precaución enajena.

¡Criatvra de mis fatales paſiones,
indolente ante el deſcuidado qve tvrba,
tvs dominios alçados por tvs intentos
de preuenir, el pie qve pueda mancillar tv ondulante forma!

E en la negrura de la naturaleza,
qve deſprende ſus formas, temible e miſterioſas,
ſobreſales uictorioſa, con tv hechizante cola,
qve ſe agita, commo campana caſcada de vna ygleſia oluidada.

E en tv ira pendiente, mueſtras, patrona de las tragedias;
la curuidad ſutil de tvs marfilados colmillos,
donde la mverte ordeña con paſión e eſmero,
tvs tan conocidos e temidos venenos.

E eb el uiejo edén, donde los amantes de las primeras luxurias,
enſayaban nuevos placeres, para extaſiar, en completo delirio,
a ſus fiel eſpectador, de naturaleza mórbida,
qve obſerva en las alturas, ſu reino lleno de arrepentimiento,

diſte, a los tendidos amantes, luego de vn gozo prolongado,
la tentación inmenſa de vn ardor curioſo, mas tentador,
qve el ardor qve deſtilan dos cuerpos diſpueſtos a vencerſe con paſión.

—’La Serpiente’ de Adamas Noctum, El Fuego del Shalhebiron


§ Ecos de un tiempo mejor, acaso olvidado


vindalv

Vindalv — Æptir Pushende Ar

Un mágico viaje se nos presenta en un formato conocido por algunos como Dungeon Synth, lo cual de por sí define ya el tono sombrío e impersonal característico de este genero. Algunos describirían esto como melancólico, pero ésta no es precisamente la palabra adecuada. El tono y la atmósfera no se limita al sentimiento de un ser, y parece más bien envolverlo todo y encarnar el flujo de energías en dimensiones espaciales y temporales eónicas. Vindalv, sin embargo, nos cuenta más ayudados por una fineza técnica en la composición que les permite modular más y también hablar de algo más cercano a la perspectiva humana, al menos cuando ésta dirigía su atención a sus alrededores naturales y no había sido entorpecida por la tecnología.

Hay mucho que explorar, experimentar y absorber en Æptir Pushende Ar, aunque parezca este haber sido olvidado en las mareas del tiempo. El tipo de obra musical merece ser olvidada por todos menos quienes la puedan apreciar. No vendría a nada distribuirla entre más personas que seguramente no comenzarían a poder apreciarla. El curar música oculta que nunca fue producida a nivel comercial o masivo es la protección de tesoros escondidos. Joyas de mucho valor espiritual e introspectivo se han de encontrar por nosotros y por generaciones en el futuro para inspirarlos en vida y obra propia.


Knut Hamsun — La Bendición de la Tierra

La historia de este libro trata de la llegada de Isak a una región de bosque apartada de Noruega cuya habitación más cercana es un pequeñísimo pueblo que yace una distancia considerable. Seguimos su vida, su esfuerzo, sus pesares y sus triunfos a través de décadas. Mas no es este una historia sobre dramatizada o afectada, más bien notamos que el énfasis del autor está en el valor del sobrellevar obstáculos, sin negar ni aminorar en su narración la gravedad de las circunstancias. Es también La Bendición de la Tierra una alabanza del trabajo duro y juicioso del colono y granjero, sin dejar de mostrar las trampas en las que caen y las desventajas en las que se ven usualmente cuando viene algún pícaro o señor de negocios de las ciudades.

Esta obra del autor noruego Knut Hamsun llega a nuestras manos traducida a un español sobrio, austero y con mucha clase. Las oraciones sencillas y el experto juego de perspectivas, tiempo y tono engañan, y hasta pueden pasar desapercibidas al comienzo. A medida que transcurre el libro uno se va dando cuenta de los dotes del escritor tanto en su técnica como en su sensibilidad y empatía para con personajes de toda clase. Encontramos también una ligereza entre lo jovial y lo turbio, entre lo suave y lo abrupto. Knut Hamsun logra una union magistral de opuestos al punto que estos se disuelven, dándonos una imagen clara y pura de la vida tal y como es para quienes pueden entender dicha disolución.